Artes Plásticas - O Japão - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 26

A arte japonesa nasce diretamente da influência da china.     A partir do século V1, quando o Japão começava a sair da pré-história, os chineses trouxeram as bases religiosas e culturais que foram rapidamente assimiladas pelos japoneses.    Na arquitetura, por exemplo, os processos e técnicas são chineses.    Embora o Japão seja um país rico em pedra e relativamente pouco arborizado, a arquitetura da China, quase toda de madeira, foi imediatamente adotada, pela razão principal de ser mais resistente e flexível num país sujeito a frequentes terremotos.     É no Japão que se encontram algumas das mais antigas construções em madeira, como o templo Todai-Ji, em Nara, que foi construído em 756 da nossa era ( século V111 ).     E a casa japonesa tradicional sempre foi feita de madeira, com portas e janelas que usam em vez de vidro, um tipo especial de papel oleado.     A religião budista, adotada através da seita mística Zen, trouxe junto com elementos da filosofia chinesa clássica uma contribuição que se adaptou rapidamente ao espírito japonês, mas, sendo um povo eminentemente combativo, guerreiro e industrioso, o japonês soube encontrar sua linguagem artística própria, deixando de ser sua arte uma simples repetição da arte chinesa.     Japão é um arquipélago, constituído por inúmeras ilhas, das quais as maiores são: Kyushu, Shikoku, Honshu e Hokkaidô.      Terreno essencialmente rochoso e vulcânico, dispondo de pouca área arável, os japoneses sempre buscaram na pesca a base dos seus alimentos.     Os chineses trouxeram a cultura do arroz e do bambu, bem como o conhecimento dos metais.     Desde cedo os japoneses se revelaram notáveis escultores e arquitetos, como veremos a seguir.     Ao contrário da China, na qual as guerras e revoluções muito destruíram, no Japão praticamente tudo se conservou.     Assim é que, se quisermos aprender sobre a antiga arquitetura da China, teremos de ir ao Japão.     O próprio traçado urbanístico de Nara, antiga capital, corresponde exatamente ao traçado da capital da dinastia T'ang: Ch'ang-an.    Isto foi feito no século V111 ( perdoe-me mas o meu teclado está com problema, por isso que digito o número um no lugar do algarismo romano ) por uma missão japonesa que partiu para estudar os templos, os palácios, e trazer os modelos a serem reproduzidos no Japão.    Nara, a velha capital, ainda hoje é uma extraordinária cidade de arte, com palácios e jardins, inspirados nos modelos  desaparecidos da China Antiga, onde existia liberdade de religião, o culto da poesia e das artes.      Isso explica o refinamento japonesa e seu amor pelas formas naturais.    Ainda hoje existem em Nara as mais antigas construções em madeira existentes no mundo, como o templo Todai-ji, hoje convertido em museu, e que abriga cerca de 10.000 peças, entre armas, mobiliário, tecidos, cerâmica.     Esse templo foi construído em 765 d.C. ( século V111 ).     Os modelos chineses motivaram a arte do Japão, mas foram adaptados à sensibilidade do país.    A partir da fundação de Nara, os escultores têm a oportunidade de criar figuras religiosas, inclusive a do grande Buda de bronze, estátua gigantesca que permaneceu em Nara, um enorme templo, incendiado no século X11.     Hoje ainda existe, embora muito restaurada.     Mas é especialmente necessário estabelecer uma divisão entre idealismo e realismo.     No primeiro caso estão as figuras de Buda, geralmente sobre um pedestal feito de flores de lótus, e, também, figuras de grandes sacerdotes, em atitude de meditação.    São obras de profundo espírito religioso.     No segundo caso são as figuras de gênios semelhantes a guerreiros, que defendem a entrada dos templos ou dos palácios de todo o mal.     São terríveis figuras de guerreiros, realizadas com violência e realismo espantosos.    

Artes Plásticas - A Escultura na China Antiga - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 25

Tanto quanto a arquitetura, a China nunca deu à escultura tanta importância quanto à pintura e a à cerâmica.      Por essa razão não temos listas de escultores.     A escultura era mais considerada como uma forma de artesanato.    Apesar disso há exemplares de alto nível artístico, feitos para serem depositados nos túmulos, e, talvez por isso, menos apreciados.     Dos períodos mais antigos, dos Han e dos T'ang até o Song, chegaram até nós peças primorosas, tanto pelo realismo com que os artistas trataram figuras humanas e animais, quanto pela alta espiritualidade da arte búdica.     Os cavalos da época T'ang, conservados nos museus europeus, americanos e no próprio museu de Pequim, atestam um poder de expressão impressionante.     As grutas de Long-men ( século V1 ) conservam relevos, nos quais a influência da Índia ainda permanece, mas cujo poder de estilização já é bem chinês.     Os chineses sempre deram alto valor aos produtos da arte industrial.    A cerâmica é tratada no capítulo relativo às artes industriais.

Artes Plásticas - A Arquitetura na China Antiga - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 24

Essa arte não alcançou na China o nível das outras, pela circunstância de que , para o chinês, a obra do arquiteto é apenas um objeto, que serve para celebrar uma memória, um deus, ou para habitar.    Os antigos palácios eram na verdade pavilhões isolados, construídos em madeiras e tijolos, no meio de jardins maravilhosos, sem as grandes perspectivas do jardim francês de Versailles, por exemplo.    O artista visa a efeitos de intimidade e não de grandiosidade.    É justamente nos jardins, em que foram grandes mestres - a quem muito devem os japoneses - que os chineses desenvolveram uma arte requintada de recriar os aspectos da natureza.     É no jardim oriental que os paisagistas ingleses do século XV111 vão buscar sua inspiração.

Artes Plásticas - A pintura chinesa - Por Wladimir Alves de Souza - parte 23

Os antigos chineses consideravam a pintura e a caligrafia como  as suas  artes mais importantes, mas, infelizmente, embora tenham chegado até nós listas de pintores altamente considerados, muito se perdeu , pelo mau estado de conservação e pela fragmentação das peças.     Os pintores não criavam quadros, como nós os concebemos.     Suas obras eram feitas em rolos de papel ou seda e guardanapos em estojos especiais.    Assim, quase se pode dizer que a pintura era lida, à medida que se ia desenrolando a peça.    Mas, pelo pouco que chegou até nós, pode-se julgar o sentido altamente poético da pintura e o seu simbolismo.    A técnica usada é de uma tinta negra ( o nanquim ) solúvel na água, como base principal e os motivos representados são os temas da natureza: paisagens, lagos, florestas, vôo de patos selvagens, nuvens, animais fantásticos ( dragões ), e também a figura humana em todas as formas de atividade.     Sabemos que os palácios dos Han e dos T'ang eram decorados com pinturas murais, de que temos apenas notícia pelos textos.     Aliás, a propósito de textos, os chineses davam grande valor à escrita e aos numerosos caracteres empregados na obra dos grandes poetas, algumas acessíveis apenas aos eruditos e aos letrados.

Artes Plásticas - A Evolução da Arte Chinesa - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 22

Para se ter uma noção superficial da arte chinesa é preciso acompanhar a longa história do país, através das épocas ou dinastias.     A mais antiga dinastia histórica é a dos Chang ( século XV1 a.C. ) que continua através dos Tcheu ( século X1 ao 2 a.C. ), a qual vai terminar nos chamados " Reinos Combatentes ), em que a China vai se fragmentar sob o domínio dos senhores feudais.    Ao fim desse período de desordem e confusão, um terrível tirano reunifica  a China e funda uma dinastia que deveria durar mil anos, segundo ele, mas só teve dois imperadores.     A arte desses séculos perdeu-se em grande parte.    Restam maravilhosas peças em bronze ou jade, encontradas em escavações.    E foi T'sin Che-huang-ti, o tremendo imperador, quem construiu em poucos anos a Grande Muralha, obra gigantesca de mais de 2.000 quilômetros de extensão, acompanhando a curvatura das montanhas e pontilhada por postos de guarda.    Essa obra custou a vida de milhares chineses, além de escravos e prisioneiros.    A sua função era defender o território da China contra as constantes invasões dos bandos famintos dos guerreiros bárbaros da grande estepe asiática.     A dinastia durou apenas até o filho do imperador, figura apagada e que morreu assassinado.     A brutal centralização do império sucedeu a dinastia dos Han ( 202 a.C. a 220 d.C. ), ao fim da qual recomeçaram séculos de desorganização e crises econômicas até a dinastia T'ang ( 618-906 ), que restaurou a monarquia e trouxe séculos de paz.    Essas duas dinastias fundaram capitais ( hoje desaparecidas ) e deixaram obras de arte em bronze e cerâmica de alto valor artístico.     Começa então o período Song ( 960-1126 ), em cuja época se produziram talvez as mais belas peças de cerâmica e porcelana da arte chinesa.     O império requintado  dos Song foi, contudo, empurrado para o sul, até  que os mongóis invasores reunificaram o império expulsando os Song, imperadores letrados e poetas, amantes da pintura.    Instala-se, então, a dinastia dos Yuan.    Estes preferiam nas artes os temas naturalistas e militares.    A China moderna começa com uma nova dinastia nacional, a dos Ming, que reinou entre 1368 e 1644.     Os Ming procuraram retomar a estética tradicional, mas acabaram por perder, pouco a pouco, as qualidades de originalidade do passado.     Por outro lado, foi durante essa dinastia que se iniciou o comércio com o Ocidente, o que motivou a decadência , que se vai acentuar na dinastia final,  a dos T'sing ( 1644-1912 ), de origem Mandchu.     Enquanto nada permaneceu  das épocas anteriores, em termos de arquitetura, os Ming e T'sing, embora dando mais valor à cerâmica, deixaram os únicos monumentos que nos fazem conhecer a estética das outras artes chinesas.    A primeira capital dos Ming foi Nanquim, onde está sepultado o primeiro imperador, mas já o segundo da dinastia transferiu a sede do governo para Pequim, onde até hoje se encontra o governo chinês.     No caminho de Pequim para a Grande Muralha, os Ming reservaram um imenso terreno onde plantaram um parque e localizaram seus túmulos.     A entrada é marcada por um pórtico de mármore branco e o caminho marcado por grandes figuras de animais, também de mármore ( elefantes, camelos, dragões ) e também guerreiros.     Descoberto há poucos anos, um desses túmulos revelou um tesouro em objetos preciosos: ouro, prata e pedras preciosas, bem como cofres de laca vermelha ( cor da felicidade ), onde estavam sepultados o imperador, a imperatriz e altos funcionários.

Artes Plásticas - China - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 21

De todas as grandes civilizações ( com exceção talvez da Índia ), a chinesa é a única que perdura.    Com efeito, os antigos egípcios desapareceram , dando lugar aos árabes e à civilização do Islã.    O mesmo aconteceu com os antigos gregos  e romanos, povos hoje substituídos por uma mistura de raças e culturas.     A China é um vasto país continental, com uma costa extensíssima dando para o mar Amarelo e o mar da China, separado da Ásia continental pelo elevado planalto do Tibete, ligado a cadeias de montanhas onde se encontram as montanhas mais elevadas do mundo.     A China é, porém, aberta ao norte para as grandes planícies da estepe asiática.     Praticamente sem nenhum contato com os países do Ocidente, apenas ligada por um longo e penoso caminho através de desertos, montanhas geladas, os oásis do Turquestão, caminho esse que se chamou a " estrada da seda ", a china era considerada pelos ocidentais como um país quase mitológico.     Só no século X1V, com a relação da viagem do veneziano Marco Polo, os europeus receberam as primeiras notícias ( consideradas fantásticas e inacreditáveis ) da civilização chinesa.    Entretanto, desde a pré-história, a China iniciava o seu longo desenvolvimento cultural contínuo, embora entrecortado por graves convulsões.    É necessário levar-se em conta não só as condições históricas, como características da cultura chinesa desde a alta antiguidade.    Para nós, ocidentais, é difícil penetrar nos segredos da arte chinesa, não só pelas dificuldades quase intransponíveis da língua e da escrita, como pela natureza da sensibilidade oriental.     Foram, entretanto, essas características de língua e escrita, que permitiram à China uma unidade cultural notável, através dos séculos, embora por vezes dividida , outras vezes unificada, necessitando fazer operações militares de defesa fronteiriça, de que é exemplo a famosa Grande Muralha.    A terra da China é extremamente fértil, cortada de norte a sul pelos vales de três grandes rios: o Huang-Ho ( Rio Amarelo ), o Lang-Tseu ( Rio Azul ) e o Si-Kiang.     Recortada de canais naturais  e artificiais, a terra é cultivada à séculos, a ponto de o homem ter-se identificado com ela.    A própria religião primitiva é fundada numa harmonia superior entre a ordem cósmica e a ordem humana.    O Céu é o supremo soberano e o símbolo do universo, bem como das forças misteriosas da Natureza.    A moral dessa religião foi formulada por um filósofo: Confúcio.    Outro notável filósofo, Lao-Tseu, que fundou o Taoísmo, buscava a identificação da alma individual com o princípio universal: o Tao.     Essas duas doutrinas do V1 século a.C, altamente intelectualizadas, distinguiam o Céu ( soberano do Alto ) e o Imperador ( soberano da Terra ).     Além disso, o budismo introduziu-se por volta do século 1 de nossa era, humanizando as doutrinas e pregando o amor e a misericórdia.

Artes Plásticas - A Arte Budista até o século V d.C. - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 20

Os primeiros movimentos da arte budista têm um caráter comemorativo, em honra a Buda, e neles a escultura domina a arquitetura.     Frequentemente, templos e santuários são esculpidos na rocha viva, sob forma de uma arquitetura em cavernas.    As primeiras representações do Buda fixaram um tipo que deveria ser seguido através dos séculos.    Vestido com uma túnica pregueada, a expressão do rosto busca uma serenidade desprendida dos bens terrestres, assim como uma vida interior intensa.    As posições da figuras são variadas, cada uma exprimindo determinado símbolo.     Entre os séculos 1V e V, na época chamada gupta, no vale do rio Ganges, foram criadas as famosas cavernas de Ajanta, ricas em pinturas e que são dos mais belos exemplos dessa arte.    Outro exemplo, em época posterior ( século V111 ), as cavernas de Elephanta.    Chega-se a esculpir enormes rochedos em forma de templo, cobertos com figuras religiosas e simbólicas, e também a abrir na rocha o famoso templo de Ellora.    Isto corresponde ao renascimento do bramanismo.     A arquitetura primitiva, feita em madeira, não chegou até nós e a de pedra, unicamente religiosa, é uma transcrição dos processos construtivos em madeira.    Os templos buscavam uma interpretação do universo.    Quanto aos templos bramânicos, têm bastante semelhança com os egípcios , pela multiplicação de colunas e torres em forma de tronco de pirâmide.    Entretanto, na Índia, os elementos esculturais recobrem quase totalmente as formas.    É na escultura que os artistas mostram seu gênio mais original.     Com efeito, ela praticamente absorve as formas da arquitetura, sob a forma de baixos e altos relevos, numa extraordinária riqueza e imaginação: deuses, dançarinas, animais misturam-se no desenvolvimento de um ritmo vital intenso.     Pouco a pouco, a escultura evolui para formas cada vez mais realistas, principalmente nas figuras femininas.     Não se pode deixar de mencionar, na representação do Buda na região Ocidental da Índia próxima ao Irã, uma arte que se denomina greco-budista, pela influência que os gregos deixaram, naquela área, durante a época de Alexandre.    O sorriso quase misterioso e a própria plástica das figuras refletem essa influência.     Principalmente no último período da arte hindu aparecem algumas pequenas pequenas figuras de bronze de extrema beleza, particularmente a figura do deus Civa, numa de suas numerosas representações, com quatro braços, dançando num círculo de chamas.    Pode-se dizer que a grande arte indiana, tanto budista como bramânica, começa a entrar em decadência a partir do século XV111, quando vai entrar numa repetição de motivos decorativos desprovidos de originalidade.

Artes Plásticas - As Artes do Extremo Oriente - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 19

Há diferenças fundamentais entre a arte ocidental e a oriental.      Não se pode deixar de considerar as influências religiosas e a própria concepção do Universo.    Enquanto no Ocidente tudo corresponde a uma certa ordem, resultante de uma concepção do espaço e do mundo das formas ligada ao homem, no Oriente toda arte tem um fundo simbólico, derivado das forças universais.    A arte ocidental tem como ponto de partida o homem e sua representação: ora realista, no que se aproxima da aparência visual dos seres e das coisas, ora idealista, na busca de um tipo ideal, sem contudo estar desligada da realidade.     Assim, encontramos duas correntes estéticas básicas: o realismo e o idealismo.     A partir do advento da arte cristã, o artista tem como princípio de sua inspiração, além da figura de Cristo, as imagens da Virgem, dos apóstolos e de todos os santos, mas também figuras profanas: soberanos e sua corte, como figuras populares.    Os dois mil anos de cristianismo fornecem assim a maior contribuição artística da humanidade ocidental, passando das representações convencionais ou ingênuas da arte bizantina ( para a qual o gosto oriental contribui ), às imagens da arte medieval ( românica e gótica ), até a arte da primeira Renascença e do Barroco.     No oriente, ao contrário, as religiões determinaram tipos de criação variados.    Os povos do Islã, ou muçulmanos, proibidos pela sua crença de representar a figura humana e até mesmo as formas vivas, voltaram-se para as formas geométricas, que se desenvolveram na arquitetura e nas artes aplicadas: tapete, azulejo, vidros, tecidos, escultura decorativa.    Talvez haja uma exceção na Pérsia, onde a figura humana, os animais e os vegetais foram frequentemente representados, inclusive na pintura e na miniatura.    Índia: A " Índia " é uma imensa península de mais de 4.000.000 de quilômetros quadrados, separada de comunicação com a Ásia Central pela cordilheira do Himalaia.    Os seus contatos, a oeste, se fazem com o Afeganistão e o Irã através do vale do rio Indus, e com a China pelas pistas da região de Kachmir.      Os primeiros povos da Índia, os dravidianos, foram expulsos para a extremidade da península pela invasão dos arianos, entre 1500 e 800 a.C..    O livro dos Vedas, com o culto dos primeiros deuses e as bases de uma moral, trazida pelos invasores, transformou-se no bramanismo, pelo culto de uma Alma Universal, que, baseada na transmigração das almas individuais pela reencarnação, levava os homens a perfeição.    O vedismo, pela sua alta significação espiritual, era hostil à representação figurativa, mas o bramanismo, religião de diversos deuses ( politeísta ), trouxe toda uma corte de deuses, representados segundo sua filiação e características de poder.    Enquanto isso, nascia no século V1 a.C. uma outra religião profundamente espiritualista, criada pelo príncipe Siddartha, no Nepal, ao norte da Índia, e que pregava o desprendimento dos bens materiais e a busca do aperfeiçoamento moral.    Esse príncipe recebeu o nome de Buda ( o Iluminado ).    Os discípulos dessa religião reuniam-se em mosteiros, onde seguiam uma regra severa e conventual.     Mais tarde uma divisão produziu-se criando uma forma de budismo mais humanizada, na qual o Buda se transformou num deus.    Essa religião, bastante próxima do cristianismo, tornou-se uma esperança de redenção para os homens, e logo espalhou-se por toda a Ásia, inclusive na China, na Indochina e no japão, levando sua mensagem de fraternidade e amor entre os homens.

Artes Plásticas - Tapeçaria - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 18

Embora baseada em técnica de tecelagem muito semelhante, a tapeçaria distingui-se do tapete pelo fato de que este é usado para guarnecer os pisos, em vez de a tapeçaria, pendurada, decorando as paredes.    Foram os europeus que criaram formas originais de tapeçaria, principalmente na França.    o O maior, mais antigo e mais belo conjunto que se conhece é a série do " Apocalipse ", do artista Nicolas Bataille ( 1394 ), que se encontra na França, no Museu de Angers.    Outra série célebre é da " Dama do Unicórnio " ( século XV ) que está parte no Museu de Cluny ( Paris ), parte nos Cloisters ( claustros ), em Nova Iorque.   Os grandes centros de tapeçaria foram, além da França ( Arras, Aubusson, Paris ) e em Flandres, que também receberam encomendas das cortes europeias.     Podemos citar a série  das tapeçarias imperiais, no Museu de Viena, feitas em Flandres e tecidas com ouro e prata ( século XV1 ).     E também as famosas tapeçarias de Pastrana, em Portugal.     Pouco a pouco a tapeçaria vai imitar a obra dos pintores.    O desenho era feito em papel, " cartão " colocado por trás do tear com a indicação das cores.    Rubens teve obras suas reproduzidas em tapeçaria ( século XV11 ), Lebrun desenhou cartões para Versailles e outros palácios reais de Luis X1V, já no século XV111, o século das graças e do Rococó, Boucher trabalhou muito para os tecelões franceses, bem como o grande Goya, na Espanha, que pintou os cartões para uma série de tapeçarias destinadas ao Palácio del Pardo, tecidas na Manufatura Real de Santa Isabel.    Gradativamente, a tapeçaria vai perdendo o seu grande prestígio e já no século X1X está totalmente decadente, sob o influxo do academismo.    Só no século XX é que Joan Lurçat faz reviver o processo, na base de composições modernas de grande esplendor.    É ele o renovador da tapeçaria, hoje usada pelos artistas como forma de expressão.    Lurçat esteve há alguns anos no Brasil e levou temas de nossa natureza que usou com rara felicidade.     Formou aqui um discípulo de talento: Genaro de Carvalho, na Bahia.     No Rio de Janeiro, na década de 40, a artista Madeleine Colaço introduziu uma técnica de tapetes e tapeçarias, inspirada em processos populares de Portugal: o Arraiolos: a tapeçaria em bordado sobre tela, oriunda principalmente do chamado " ponto de Arraiolos ".      Colaço criou um ponto próprio a que deu o nome de " ponto brasileiro ".      Isso estimulou numerosos artistas, utilizando uma temática abstrata ou de motivos figurativos brasileiros.    Foi executada no sentido de formas abstratas, partindo de elementos vegetais uma grande tapeçaria sobre cartão de Roberto Burle Marx, para o Palácio Itamaraty de Brasília.

Artes Plásticas - Os Têxteis - Tapetes - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 17

A arte do tapete nasce no Oriente e caracteriza uma atividade que, na origem, era típica dos povos nômades.     Com efeito, as populações de parte da Ásia deslocaram-se constantemente com seus rebanhos de carneiros, sempre em busca de melhores pastagens.    As matérias-pimas básicas estão sempre presentes: a lã e o algodão, e, por vezes, a seda.     A técnica do tapete oriental deriva do tear manual, com dois rolos de madeira nos quais são fixadas as " lissas " ( fios de tramar ).    Nesses se amarram os nós ou pontos.    Colocados esticados sobre o tear desmontável , o tecelão pode trabalhar na vertical ( alta lissa ) ou na horizontal ( baixa lissa ).    Quando tem de mudar de sítio, enrola seu material e vai montá-lo adiante.    A geografia do tapete oriental parte da China, passando pelo Turquestão Chinês, pela Ásia Central, numa vasta área que limita com o Turquestão, o norte da Pérsia e o mar de Aral.    Daí vai para o Cáucaso, com os tipos Karabagh, Kasak, a antiga Pérsia, hoje Irã, a Turquia, especialmente Smirna.     O luxo e o esplendor dos príncipes orientais eram realçados pelos magníficos tapetes que decoravam seus palácios ou forravam suas tendas de campanha.     Os edifícios religiosos do Islã ( mesquitas ) também possuíam tapetes imensos e suntuosos.   O país e o local de fabricação dão nome aos tapetes orientais.     Os mais célebres são os persas, mas os turcos também produziram peças capitais.    Os países ocidentais importaram muitos tapetes do Oriente para suas decorações de interior.    Raras peças que chegaram até nós, pertencem ao século XV, e são conservadas preciosamente em museus.     O Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa possui alguns persas Herat do século XV1, que são obras-primas.    Outras peças célebres no Ocidente, são: o famoso tapete do Imperador da Austria, que mede quase 11 metros por mais de 5,50m, levou três anos para ser concluído, com oito tecelões trabalhando no tear.     Outros são o tapete de caçada, que está em Milão, e o " tapete representando um vaso " no Museu de Viena.     A técnica emprega os pontos mais ou menos miúdos, amarrados nos fios da lissa.     Os pontos menores valorizam a qualidade do tapete e a beleza do trabalho.     A variedade de nós e pontos é imensa, conforme a região.    Nos tapetes antigos as lãs eram tingidas com cores vegetais, muito mais ricas e brilhantes, mas neste século começou-se a usar as cores artificiais à base de anilinas, o que desvalorizou muito o tapete como peça de arte.     Por isso são preferidos os tapetes antigos.     Os motivos empregados na área do Islã são sempre geométricos, sem representação de seres vivos, mas na Pérsia essa regra não foi observada, e os persas criaram tapetes decorados com figuras humanas, animais, plantas, flores.    O tapete chinês, por sua vez, usa também formas vivas.     É mais espesso e pesado que o tapete do Oriente Próximo.     Um modelo digno de nota é o tapete de " oração ", usado cinco vezes ao dia, na hora das preces rituais do Islã.    O seu desenho representa, quase sempre, o " mihrat " ( nicho que existe na mesquita voltado na direção da cidade sagrada de Meca ).    O tapete de oração é sempre tratado com carinho religioso.     Muito valiosos são os originais executados em manufaturas desaparecidas, como os Ladik.     Mas também são valiosos os tapetes de Isfahan, Teerã, Kirman, Khorassan, todos feitos na Pérsia.    A moda do tapete penetrou de tal forma na Europa que se fundaram manufaturas na Polônia, sob influência turca, e na França, com manufaturas reais da Savonnerie e de Aubusson, no século XV11, com desenhos barrocos, brasões, cenas diversas e motivos florais.

Artes Plásticas - Portugal e Brasil - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 16

Como os outros países europeus, Portugal sofreu as influências inglesa e francesa, mas, pelos seus contatos com o Oriente, criou um tipo de mobiliário com incrustações de madrepérola e marfim, com madeiras orientais, principalmente executado em Goa, na Índia: é o chamado estilo indo-português.    E também os estilos acompanham a moda de receber o nome dos soberanos: Dom João V, Dom José 1, Dom João V1, D. Maria 1.    As formas serão derivadas do Barroco e do Rococó, e dos ingleses Chippendale Sheraton, Hipplewithe.     Em Portugal, o rei D. João V manda instalar no convento de Mafra uma riquíssima biblioteca, toda em madeira do Brasil.     Outra biblioteca dessa época, igualmente suntuosa, é a de Coimbra.     Como não podia deixar de ser, esses móveis foram adotados também no Brasil, com modalidades locais apreciáveis.     O mobiliário religioso é rico na matéria ( o nosso jacarandá, o nosso cedro ), e na obra de talha.     As sacristias das igrejas eram mobiliadas ricamente com grandes arcazes de gavetões, para guarda de paramentos, os tronos episcopais, os oratórios, tocheiros, altares e guarnições de culto dão a medida do valor dos artesãos como demonstram a evolução das formas de acordo com as épocas.     O mobiliário civil é simples, para não dizer pobre, embora os ricos burgueses tivessem camas suntuosamente esculpidas, cadeiras, sofás, papeleiras, mesas de centro ( de influência holandesa e espanhola ou de outros estilos ) e, também, ricos oratórios.    Mas a regra é a simplicidade, a sobriedade nos catres de couro cru, nos bancos de madeira e nas mesas de refeições ou de encostar.     O mobiliário Europeu do século X1X segue diversas tendências que caminham para o " ecletismo " ( cópia e mistura dos estilos passados ).     A Revolução Industrial, que teve origem na Inglaterra, por volta de 1780, começa a modificar os conceitos de produção, banalizando os estilos nobres.    No final do século, um precursor dos tempos modernos, William Morris, funda a " Arts and Crafts " ( Confraria de Artes e Ofícios ), tentando buscar formas novas, inspiradas na natureza, e antecipando o estilo " Art Nouveau " já no século XX.    Art Nouveau ou Arte Nova gozou logo de grande voga.     A própria arquitetura deixou-se influenciar por esse movimento estético, de linhas curvas, decoração floral, formas livres, e que durou até por volta de 1925, quando se realizou em Paris a exposição de Artes Decorativas, último estertor desse estilo.    No século XX, o mobiliário do nosso tempo vai nascer dos princípios básicos da arquitetura contemporânea: simplificação das formas, supressão do ornato, uso dos materiais modernos, racionalização.      São, pois, os arquitetos que criaram as formas novas.     Entre 1926 e 1933, Walter Gropius funda na Alemanha uma escola que é , na verdade um centro criador de todas as artes: a Bauhaus.     Então jovens ainda, Gropius, Breuer, Mies van des Rohe também se dedicam ao estudo dos móveis e do equipamento da habitação.    Certas peças do mobiliário criadas naquele tempo conservam até hoje suas qualidades de conforto, sobriedade e beleza, como a cadeira " Barcelona ", criada por Mies van des Rohe ( 1929 ), as cadeiras em tubo cromado  de Breuer ( 1930-31 ), entre outras.    Mais recentemente os italianos criam também mobiliário e equipamento de belas proporções.     Um deles é Gio Ponti, produtor de móveis de série, práticos e agradáveis.     Os países nórdicos ( Suécia, Noruega, Dinamarca, Finlândia ), também se destacam nesse movimento de renovação, bem como os Estados unidos, com as obras do arquiteto Saarinen.      Os materiais modernos são largamente usados: o aço inoxidável e metais não ferrosos, como o alumínio, os materiais plásticos para estofamento, a madeira compensada e moldada, o cristal, a acrílico, entre outros.     Resta muito a descobrir, mas o nosso século já pode considerar que tem no seu mobiliário uma de suas expressões artísticas de maior significação.

Artes Plásticas - O século dezoito - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 14

Com o fim do reinado de Luís X1V, o advento do seu bisneto Luís ( 1710-1744 ) vai introduzir profundas modificações no gosto , com o estilo " Rocaille " ou " Rococo ", derivado do Barroco, assim chamado pelas irregularidades e assimetrias, como também pelo uso de conchas estilizadas.    Durante cerca de 30 anos vão se buscar formas mais compatíveis com um mundo amável, alegre e galante.    E os franceses reunirão os melhores artistas e artesãos ( muitos estrangeiros ), criando móveis completamente novos e leves: a " marquesa " ( larga poltrona de linhas curvas e graciosas, feita para abrigar as grandes saias das fidalgas ), a " chaiselongue ", sofá de repouso, feita para a intimidade dos pequenos salões, a mesa de escrever ou " chiffonnier ", enfim, a época renuncia às grandes pompas frias e fastidiosas do Rei-Sol, para prestar uma homenagem à mulher, junto com os efeitos de intimismo..     Os marceneiros, também chamados " ebanistas ", trabalham com madeiras exóticas, vindas da América ou do Oriente: o ébano, o " acajou " ( mogno ), o " palissandre " ( jacarandá ), o " bois-de-rose " ( pau-rosa ).    É nos bronze de aplicação que acumula o refinamento , com os escultores Caffieri, Oppenord, Cressent.     As cadeirinhas de arruar em que se transportavam os nobres eram decoradas com " verniz Martin " do nome do seu descobridor.    A arca desaparece definitivamente, consagrando a cômoda, já usada no reinado anterior.     A moda do mobiliário Rococó expandiu-se por toda a Europa, dentro dos padrões do estilo Luís XV.     Entretanto, com as descobertas arqueológicas do meio do século, outra moda vai surgir, sob a influência dos padrões da Antiguidade: a das artes etrusca e romana.     É o nascimento do estilo Neoclássico.    Já não é apenas a França, mas também a Inglaterra quem assume uma posição de comando, através das obras dos " cabinet-makers " ( marceneiros dos móveis de luxo ).     E a produção dos três Chippendale ( avô, pai e filho ), extremamente variada, que vai do etrusco ao barroco, passando pelo gótico, dos irmãos adam, cultores apaixonados do Neoclássico e outros, como Sheraton, Hepplewithe.     Forma-se pois uma escola inglesa , que usa de preferência o mogno das Antilhas, como madeira favorita, mas também cria, às vezes, o móvel pintado e dourado.     Os franceses adotam o Neoclassicismo na segunda metade do século XV111, sob a influência da marquesa de Pompadour, favorita de luís XV.     De modo que se pode dizer que o estilo Luís XV1 ( neoclássico ), já aparece no fim do reinado de Luís XV.     Volta-se as linhas retas, ao equilíbrio das formas clássicas, mas sempre executadas com requinte.    O mobiliário real da França, vendido na época da Revolução, foi disperso, e grande parte está na Coleção Wallace , em Londres.    Ultimamente a França tem recuperado muitas peças, por compra ou doação de particulares.    O Neoclassicismo francês teve também seus grandes ebanistas e bronzistas, como Riesener, Leleu, Jacob, entre outros, e Gouthière, como autor de bronzes dourados aplicados aos móveis.    As influências francesa e inglesa são dominantes durante o século XV111, e os próprios italianos seguem a moda.    O período colonial americano do Norte reflete o mesmo espírito da Inglaterra.     O apogeu do Neoclassicismo vai surgir ainda na França, no fim da Revolução e no período napoleônico, já no século X1X, a partir de 1804, firmando-se decisivamente a influência da antiguidade.     Napoleão vai exigir dos artistas novas expressões de luxo e grandiosidade, e os principais inspiradores das formas são os arquitetos Percier e Fontaine.    O grande ebanista é Jacob, que usa o mogno como profusão, aliado aos bronzes de Odiot, ourives oficial, que também produziu peças de ourivesaria: serviços, candelabros e outras decoração.

Artes Plásticas - Renascimento - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 13

Os italianos do Renascimento são criadores da " credenza " ou credência, espécie de armários baixos, bem como a cadeira dobrável em tesoura, chamada " Savonarola ", do nome famoso monge para quem foi criada.    Mesas esculpidas, grandes armários com colunas, cornijas, verdadeiras peças de arquitetura, os bancos-arca ( cassapanca ), às vezes com espaldar esculpido, tamboretes, camas monumentais, eis algumas das peças que guarneciam os palácios dos Strozzi e dos Medici, em Florença, no século XV.    Da Itália, o Renascimento vai levar as suas formas para toda a Europa.    A frança  vai importar os artistas e artesãos italianos no fim do século XV e no começo do XV1.    A " credenza " florentina vai tornar-se a " crédence " francesa, o " cabinetto " será o " cabinet " ( espécie de armário-escrivaninha ).    O mesmo se passa na Inglaterra no período da rainha Elizabeth 1, na Espanha de Felipe 2, no Império Alemão, nos Países Baixos ( Holanda e Bélgica ).    É daí que se vai originar a mesa feita em Portugal e no Brasil, mais tarde, que tomou o nome de " mesa  holandesa ".    É a partir do Renascimento ( século XV11 ) que se costuma rotular os estilos do mobiliário, como os da arquitetura.    É também no Renascimento que se começa a publicar livros  sobre os estilos de arquitetura, de decoração e mobiliário: são chamados " repertórios ".    No final do século XV1 ( perdoe-me pela falta do número um em algarismo romano, problemas no teclado ) e início do XV11 começa a despertar um novo estilo: o " Barroco ", de espírito completamente oposto ao do Renascimento.     As formas são livres e movimentadas, o mobiliário se enriquece com obra de talha dourada, representando personagens mitológicas, folhas de acanto estilizado ( planta já usada pelos gregos ), folhas de palmeira, conchas, etc.    A França assume a liderança das artes decorativas, com Luis X1V ( 1638-1715 ), o Rei-Sol, que quis celebrar sua glória construindo um castelo único no mundo: o castelo de Versailles.     Já os reis anteriores ( Francisco 1, Henrique 2, Henrique 1V, Luís X111 ) deram seus nomes aos estilos de seus reinados.    Para decorar e mobiliar Versailles, que conserva em sua arquitetura uma linha clássica o rei chama os maiores artistas do seu tempo, comandados pelo pintor Lebrun.    Muitos modelos e artistas italianos foram também utilizados, na execução de armários incrustados de pedras duras ou mosaicos.    Mas um grande criador francês, André-Charles Boulle, deu seu nome a um tipo de decoração de móveis ( mesas, armários, credências ), constituído por incrustações de tartaruga, marfim, cobre e bronzes cinzelados.     O luxo era tal que o mobiliário da famosa galeria dos espelhos era todo de prata cinzelada, em peças que posteriormente foram fundidas.

Artes Plásticas - A Idade Média " - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 12

Na Idade Média o mobiliário civil decai de importância com a Igreja cristã triunfante depois da conversão do Imperador Constantino, o Grande, em 313.    A febre da construção das igrejas vai absorver todos os esforços para  sua decoração, riqueza e equipamento condignos.    Nos mosaicos bizantinos, a figura de Cristo triunfante, o Pantocrator ( rei do universo ), é muitas vezes representada sobre um trono.    Os tronos episcopais seguiram esses padrões, como o de Ravena ( século V1 ), em marfim esculpido, além dos que restaram do Império Romano do Oriente.    Apesar disso o imperador  de Bizâncio habitava palácios suntuosamente decorados e mobiliados, com camas lavradas e estofadas com tecidos de ouro, prata, púrpura ( tecido tinto com a cor vermelha tirada de um caramujo chamado murex ), arças esculpidas em madeiras raras, brocados, bordados, tapetes do Oriente e peças de ourivesaria, tudo fazendo parte do opulento patrimônio do imperador.     Restou relativamente pouca coisa do mobiliário do homem comum e mesmo do homem rico, na Europa Feudal, durante a Idade Média.    Muito desapareceu e foi substituído pela evolução da moda.    Entre os séculos 1X e X11 as cadeiras, camas, arcas eram trabalhadas, entalhadas, com os mesmos motivos decorativos da arquitetura.    As primeiras arcas germânicas foram feitas pelo esvaziamento de troncos, usando ferragem primitiva.    Mas é de todo esse material que vão surgir escolas de marceneiros, entalhadores e escultores.    O trono do bispo, a " cathedra" ( o que deu origem ao nome de catedral dado às igrejas episcopais ), os cadeirais dos coros, também chamados " stalas ," vão enriquecer as igrejas com suas obras cada vez mais ricas, e isso se passa a partir do século X11 até o século XV1.     O mobiliário civil, mesmo dos reis e dos grandes senhores, era mais simples.    As camas eram dotadas de dosséis, sobre colunas e cortinados, e, pouco a pouco, as formas da decoração arquitetônica vão sendo transportadas para os móveis.     Em toda a Europa medieval e principalmente na França, na Itália, na região Flandres e da Borgonha e, na Alemanha, vamos encontrando peças cada vez mais ricas.     Nesse tempo a Europa era coberta de florestas e as madeiras mais usadas foram o carvalho, a bétula, a faia, o pinho, a nogueira.     Começa pela Itália da primeira Renascença ( século XV ) o interesse pelos revestimentos de " intarsia " ( embutidos ), usando madeiras de cores diversas e compondo verdadeiros quadros, nos quais entravam também a madrepérola e o marfim.    Um exemplo maravilhoso da obra desses artistas do século XV se encontra na biblioteca do palácio ducal de Urbino, na Itália.    A pintura flamenga dos séculos XV e XV1 nos dá também uma perfeita amostra dos interiores como do mobiliário.    Os quadros de Van Eyck, Van der Weyden, Gerard David são excelentes fontes de informação.

Artes Plásticas - O Mobiliário Romano - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 11 ( pausa )

Tal como os etruscos, seus antecessores na península itálica, os romanos tiveram na época republicana costumes severos e sóbrios.    Nada restaurou das peças de madeira, mas chegaram até nos numerosos exemplares de bronze, especialmente o material que se encontrou, no século XV111, nas escavações de Herculano e Pompéia.    O Museu de Nápoles conserva muitas dessas preciosidades.    Mas, a partir da era imperial, os costumes se corromperam, e os banquetes eram suntuosos, demorados e abundantíssimos.    Os nomes dos apreciadores da boa mesa nos são conhecidos, como por exemplo: Lucullus, os três Apicius, entre tantos.    Às vezes os banquetes reuniam apenas nove pessoas ( número igual ao das Musas, deusas das Artes ), mas também havia grandes banquetes, reunindo maior número, em leitos imensos.    Às vezes os leitos os leitos se ligavam em curva.    Eram chamados sygma.     Isso exigia enormes salões e vastas cozinhas, como um exército de escravos do serviço e cozinheiros.    O equipamento da mesa se completava com utensílios diversos: taças, ânforas para água, crateras para os vinhos, vasos diversos para óleos e condimentos.     O luxo era fabulosos e os banquetes se estendiam por várias horas, com vários serviços em inúmeros pratos, absorvidos na medida da gula dos convivas.     A decoração e o equipamento do triclínio era completado pelas diversas mesas, tripés, tocheiros de bronze.     Mas não era apenas no triclínio que os romanos viviam.    A sua sala de receber, o tablinum também era mobiliado com bancos, mesas de bronze em tripé.    Nas paredes, pinturas, afrescos, quadros, tecidos preciosos do Oriente completavam a decoração.    Os pisos eram revestidos de ricos mosaicos.     A casa nobre romana na cidade é o domus, e no campo a villa.     O gosto pelos mosaicos levou os romanos a alcançar a perfeição nessa arte.     Muitos documentos nos chegaram, principalmente, através das escavações em Herculano e Pompéia.     Mas talvez a obra-prima dos pisos em mosaico se encontre na Villa del Casale, perto da Piazza Armerina, na Sicília, onde estão magnificamente conservados.    A arte do mosaico teve grande desenvolvimento na Alta Idade Média, até o século XV, na área compreendida pelo Império Bizantino.

Artes Plásticas - Os estilos do Mobiliário - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 10

O móvel é uma decorrência da vida dos povos sedentários.    Pode-se argumentar que, talvez como o caracol leva a casa às costas, as civilizações nômades carregam consigo redes, utensílios, armas e mesmo tendas.    Contudo, a ideia que fazemos do móvel está mais ligada à estabilidade na habitação, à fixação num abrigo determinado.   As redes, as esteiras, trabalhos de tecelagem típicas dos povos primitivos foram evidentemente consumidos pelo tempo.    Mas, nas primeiras civilizações históricas já encontramos testemunhas de utilização e de forma de peças de mobiliário.    Na pintura do Antigo Egito, conservada nos túmulos ( hipogeos ou mastabas ), é frequente a figuração de ofícios ligados às artes industriais, inclusive a marcenaria: cofres, tronos, camas, cadeiras, bancos, apoios para a nuca ( que serviam como travesseiros ) e muitas outras peças.     No túmulo do Faraó Tut-ank-amon, da décima oitava dinastia, descoberto em 1926, absolutamente intacto, foram descobertas peças requintadas riquíssimas, usando materiais preciosos ( cedro do Líbano, ouro, marfim, incrustações de cerâmica, esmalte e pedras duras ).     As culturas da bacia mesopotâmica nos legaram, em ruínas imensas, uma documentação em baixos relevos ou nos pequenos cilindros gravados em pedras duras ou terracota, imagens de tronos, camas, bancos.    As civilizações pré-helênicas ( antes da Grécia histórica ), tanto no continente, como na ilha de Creta, também deixaram, nos vestígios da pintura, a representação de cenas, onde se vê o interior e o mobiliário dos palácios.    Isso entre 1600 a 1400 a.C.    A partir do sétimo século  a.C., época da alta civilização grega, as informações são escassas, mas as descrições encontradas nos textos dos autores a partir dessa época comprovam a existência do leito ( Kliné ) para as refeições, tal como fazem os assírios.    Formado por quatro montantes verticais e quatro travessas horizontais, o Kliné era muitas vezes rico e esculpido, com ornatos inspirados na arquitetura.     Os colchões eram de plumas e os leitos comportavam três pessoas.    Esses leitos eram dispostos em U, com mesas de mármores ou bronze.    Como os romanos adotaram o mesmo modelo, chamaram a sala de refeições de " triclinum ".    As outras peças do mobiliário: cofres, cadeiras, tronos, mesas em tripé, só as conhecemos pela documentação dos baixos-relevos em escultura.  

Artes plásticas - A Arte do Vitral - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 9

Embora o emprego do vidro seja anterior à arquitetura gótica, é nesse período que vão aparecer as grandes obras mestras.    A França é o país do vitral medieval, e a catedral de Chartres talvez seja o conjunto mais completo e numeroso de vitrais que se conhece.    O mais antigo remonta ao século X11, mas a quase totalidade dos outros é do século X111.    São imensas janelas envidraçadas com pequenos pedaços de vidro colorido, montados em chumbo sobre uma estrutura de ferro.    Representam toda uma série de cenas tiradas do Antigo e Novo Testamento, da vida dos santos, mas também do trabalho humano, no campo, nas oficinas, nas cidades.    Tal como a escultura, o vitral na catedral gótica não é simples decoração.    Tem uma função didática e pedagógica, para uma população de fiéis que não sabia ler.   Outras grandes catedrais góticas na frança conservam vitrais admiráveis, pelos quais penetram uma luz mística, como se fosse uma tapeçaria de pedras preciosas incendiadas pelo fulgor do sol.: Amiens, Reims, Bourges, Notre Dame de Paris ( restaurados ), Sainte Chapelle de Paris, para citar apenas alguns exemplares dessa mágica riqueza dos vitrais.   O apogeu dessa arte é o século X111, mas ela se prolonga ainda pelos séculos X1V e XV, quando começa a decair, pela imitação da pintura da Renascença, a partir do século XV1.    Outros exemplos: Após o intermédio do vitral citaremos outros exemplos históricos da arte do vidro.    Na Alemanha, no século XV1 em Nuremberg, desenvolveram-se manufaturas importantes do vidro para uso doméstico, mas talvez seja em Veneza que se encontram os exemplareis mais notáveis, a partir desse século: é o famoso vidro de Murano, que produziu obras-primas de beleza e qualidade, dentre os quais os primeiros espelhos.   Mas no século XV11, Murano será suplantado pelo vidro da Boêmia, polido e facetado.   Aliás, em toda a Europa é uma febre de pesquisa e competição.    Os franceses vão fundar a fábrica de espelhos Saint-Gobain, em 1693.    A galeria de espelhos do palácio de Versailles constituiu na época um grande acontecimento.    Os ingleses introduziram muito mais tarde modificações na fabricação, sempre até então baseada no processo do " sopro ".    Fez-se então o vidro  "moldado" e o "plano", passível de ser lapidado, gravado, ou espelhado.    É o que se denomina usualmente "cristal" artificial, e que reflete as imagens sem deformação.

Artes Plásticas - Vidro - Por Wladimir Alves de Souza - parte 8

A fabricação do vidro, tal como da cerâmica, foi conhecida desde a alta antiguidade.    Atribui-se aos fenícios, mas já os egípcios o conheciam e conseguiram produzir verdadeiras obras-primas, não apenas vidros brancos, mas vidros coloridos e com reflexos metálicos.    Foi encontrada no hipogeo ( sepultura enterrada ) de Beni-Hassan uma pintura interessando um vidreiro, soprando vidro com a mesma técnica usada até hoje.    O vidro é uma matéria composta de areias especias, combinadas com potassa ou soda em fusão à temperatura superior a 1.000 graus centígrados.    Pode-se garantir que era conhecido desde antes de 1400 a.C..    Chegaram até nós inúmeros objetos feitos nessa matéria pelos egípcios.    Se os gregos não se destacaram muito na arte do vidreiro, os romanos lhe deram o maior desenvolvimento.    Dentre a imensa produção que deixaram, citaremos o famoso vaso Portland, com figuras brancas em relevo sobre o fundo azul, e que remonta ao segundo século de nossa era.    Em Bizâncio, o vidro também teve largo emprego.   Busca-se o colorido das pedras preciosas e, tal como em Roma, foi usado como elemento de guarnição para janelas.    Os árabes foram hábeis vidreiros.    São dignas de nota as belas lâmpadas rituais de vidro suspensas no interior das mesquitas.    Na Idade Média, o mesmo uso é comprovado desde o V11 século.   O gosto pelo vidro, nesse período da História, vai levar os arquitetos a empregá-lo sob a forma do " Vitral ".

Artes plásticas - A Porcelana - Por wladimir Alves de Souza - Parte 7

A partir do sèculo XV1, quando se intensificou o comércio da Europa com o Oriente, a porcelana chinesa vai tomar o lugar das fábricas europeias de cerâmica.    A beleza da porcelana, a sua dureza e resistência maior vão marcar a decadência das faianças do continente.    Durante muito tempo procurou-se imitar a porcelana, usando terras e misturas diversas.    Na frança criou-se uma imitação da porcelana: a " pasta tenra " e as decorações procuravam reproduzir os temas orientais.   Mas foi apenas em 1709 que o alemão Bottger conseguiu encontrar, em Saxe, jazidas de caolin, a matéria-prima básica da verdadeira porcelana.   O segredo, guardado zelosamente, transpirou e espalhou-se logo por toda a Europa.    Deve-se dizer que a porcelana exportada pelos chineses já era da época decadente.    Ainda sim, os europeus encomendavam , através da Companhia das Índias orientais, grandes serviços de mesa e peças de decoração como vasos, figuras, animais fantásticos ( dragões ).    Os serviços voltavam trazendo o brazão de armas do proprietário.    Portugal recebeu muitos serviços de porcelana da China por esse caminho.   Por essa razão são muito valiosas as peças chamadas " Companhia das Índias ", tanto em Portugal como no Brasil.    Por sua vez os chineses começaram a utilizar formas e decorações europeias nos seus produtos, o que contribuiu para abastardar uma arte já decadente.   É a época do que se chamou família verde ou família rosa, às peças da dinastia T'sing em que predominam essas cores.   Na Europa, a porcelana tomou, desde então grande impulso pelas fábricas alemãs: Saxe ( em Meissèn ), Dresden, Ludwigsburg, Berlim, austríacas, Viena, França: Sèvres.    A Itália, a Espanha e Portugal procuram seguir a moda.    Os problemas da coberta, isto é, do verniz aplicado sobre o biscoito, ou seja, a peça acabada em branco, bem como das cores, do ouro, da temperatura dos fornos, foi longamente estudado e aperfeiçoado.    Não apenas serviços de mesa, mas objetos de decoração, como jarrões, potiches, relógios, tinteiros, figuras representando personagens do teatro italiano, toda uma produção variada, tudo isso desfrutou, a partir dai, da maior moda.   A porcelana acompanha, aliás, a evolução dos estilos da arquitetura e do mobiliário e hoje ainda é usada correntemente, tanto se continua a reproduzir os modelos do passado, como os artistas modernos buscam formas novas, simples, puras, despojadas de decoração.

Artes Plásticas - As artes do fogo - Cerâmica - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 6

A palavra cerâmica origina-se do grego " Keramos ", que significa a arte de fazer vasos.    Os povos mais antigos a praticaram desde a descoberta do fogo e das maneiras de produzi-lo.    No antigo Egito, na Mesopotâmia ( Caldéia, Assíria ), na antiga Pérsia ( hoje Irã ), a cerâmica foi praticada, alcançando em certas épocas altos níveis de técnica e arte.   Paredes de tijolos cozidos e esmaltados, na Pérsia, desde o segundo milenário ( 2.000 anos a.C. ), representavam animais fabulosos, e faziam a decoração dos palácios reais.    É do Oriente que vai partir muito mais tarde, já na época do Islã, a tradição do azulejo, na Espanha e em Portugal.   No Extremo Oriente os chineses descobriram terras especiais, e principalmente a porcelana, como veremos mais adiante.    Foi na Grécia, partindo das influências recebidas do Oriente e principalmente da ilha de Creta, que se originou uma escola de cerâmica  de extraordinária beleza.   A principal fase, chamada geométrica, decora os vasos com elementos lineares, entre os séculos X11 e V111 a. C.    A partir deste século a técnica vai se aperfeiçoando e a decoração dos vasos se inspira na obra dos pintores contemporâneos hoje desaparecida.    No século V11 a.C. a cidade de Corinto é o grande centro de produção.    As peças são pintadas com figuras negras, sobre fundo vermelho, e as obras-primas são do século V1 a. C.    A alta qualidade artística mantém-se em Atenas durante o século V a. C., já com figuras vermelhas, sobre fundo negro.   A partir do fim do século a qualidade do traço, a beleza das figuras, dos ornamentos, dos animais começa a decair.    Os romanos receberam a tradição dos etruscos, grandes ceramistas e produziram exemplares de qualidade, em tom vermelho, com ornatos e figuras em relevo ( cerâmica de Arezzo ).    Após a queda do Império Romano nada de importante pode ser notado, até a Idade Média.    Verifica-se um ressurgimento extraordinário na Itália, com o Renascimento e os grandes ceramistas do século XV, especialmente os Florentinos Andréa e Lucca della Robbia, que executaram peças com imagens esmaltadas em branco sobre fundo azul.    Muitos centros se desenvolveram, como Faenza ( donde a palavra " faiança "), Urbino, Pesaro, Gubbio, entre outros.    Durante a Idade Média fabricou-se muito pavimento, em formas diversas, gravados, de diferentes cores.    A influência italiana penetrou na França através de Bernard Palissy ( século XV1 ), e as fábricas de Rouen, Moustiers, entre outras.    Na Holanda pode citar-se a faiança de Delft, na Alemanha, Nuremberg, na Espanha, as fábricas de Málaga, Manises, Valencia, Lisboa, Porto, de que se tem notícia a partir do século XV.    Os árabes trouxeram a ciência do azulejo, forma de revestimento que muito usaram no seu imenso Império desde o século V11.    Azulejos de técnicas diversas, alguns com reflexos metálicos.    Criaram os " alicatados ", espécie de mosaicos de desenhos geométricos, formando desenhos da maior riqueza.   Da tradição árabe, rigorosamente geométrica, como os azulejos de Córdoba, Sevilha, Granada, no sul da Espanha, os povos ibéricos vão transformar os temas, introduzindo elementos decorativos vegetais e animais, usando cores: amarelo, azul, verde, violeta.   As composições do século XV1 sofrem a influência italiana.    Um notável ceramista que trabalhou em Portugal é um italiano: Francisco Nicoloso, de Pisa, do qual se conhece um painel assinado, hoje no Museu de Amsterdã ( Rijksmuseum ).    A arte da azulejaria é , aliás, tipicamente portuguesa e teve grande desenvolvimento entre os séculos XV1 e X1X.    O Brasil se beneficiou dos azulejos portugueses, sempre importados, pois aqui nunca foram fabricados na época áurea.    Do período colonial restam exemplos magníficos, como na Bahia, no claustro do Convento de São Francisco , o mais importante conjunto em nosso país, em Recife e Olinda, em São Luis, em Belém, no Rio e em muitas outras cidades brasileiras.   O azulejo tanto foi empregado em painéis, formando composições, como também elementos isolados, formando desenhos por vezes de grande dimensão como na Igreja de N.S. dos Prazeres de Guararapes (PE).    No século XV11 foram usados azulejos com desenhos em azul e amarelo, e no século XV111 apenas azuis.    Só no fim desse século se volta a policromia ( mais de duas cores ).   Usou-se muito no Brasil o azulejo como revestimento de fachada, no século X1X, São Luis, Alcântara ( Ma ) e Belém ( PA ) são talvez os conjuntos mais importantes na arquitetura civil.    A cerâmica é uma arte que foi muito cultivada na América pré-colombiana, especialmente no México e no Peru.    Existem no Brasil algumas jazidas de cerâmica, cujos sítios principais são a ilha de Marajó e Santarém, que revelam uma cultura altamente evoluída como comprovam os exemplares conservados no Museu Goeldi de Belém e no Museu Nacional do Rio de Janeiro.

Artes Plásticas - Artes Industriais - Ourivesaria - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 5 ( pausa )

As nossas igrejas não são muito ricas em objetos de ouro, apesar do que, restaram alfaias, objetos de culto e paramentos de grande suntuosidade, conservados em museus e nas próprias igrejas.   A joalheria é uma modalidade da ourivesaria.    Destina-se a obras de adorno pessoal, empregando também pedras preciosas ou semipreciosas, associadas ao ouro ou à prata.    Um aspecto interessante da ourivesaria é que muitos grandes artistas, especialmente no período da Renascença, começaram seu aprendizado nos ateliês dos ourives.   Os grandes escultores da Renascença, como Donatello, Verrocchio, Ghiberti, Cellini ( já citado ), estão nesse caso.   E, também, pintores ilustres.    Como atividade paralela à ourivesaria, os prateiros também trabalharam em objetos de culto, de adorno ou de utilidade.    Mas é a partir de Luiz 14, na França do século 17, que usou a prata em enormes quantidades, pela importação do metal proveniente das minas da América espanhola.    O rei possuía uma prataria suntuosíssima: serviços, castiçais, lustres e até mobiliário.    Esse tesouro foi fundido para pagar despesas de guerras.    Na Inglaterra já há muito tempo se trabalhava a prata, e os ourives usaram suas marcas de fábrica ( contraste ), incluindo a cidade e o ano de fabricação.   Os contrastes também eram usados em outros países.    Em Portugal essas marcas aparecem frequentemente, mas só os ingleses as usaram metodicamente.    D. José 1 encomendou ao maior ourives e prateiro da frança, F. Thomas Germain, uma baixela ( peças para mesa ) constante de mais de mil peças, e que levou muitos anos a ser entregue.    É talvez o conjunto mais importante de ourivesaria civil do mundo.   Está em Lisboa.     Quanto à prata brasileira, muito numerosa, a partir do século 17, num país que não produzia prata, cabe uma rápida explicação.   Os navios que vinham do peru, carregados de prata, especialmente em moeda, tocavam nos portos brasileiros e trocavam o seu metal por ouro.    Eram os chamados " peruleiros ".    Assim é que as igrejas e os homens ricos possuíam grande quantidade de objetos de prata, aqui fabricados, apesar de restrições severas feitas por Portugal, ou importavam de lá peças trabalhadas por prateiros portugueses.    O Museu de Arte Sacra de São Paulo possui peças magníficas, dos séculos 17 e 18, e o Mosteiro de São Bento do Rio, muito rico em prataria, possui duas grandes lâmpadas, obras- primas de Mestre Valentim, ourives e escultor carioca do século 18 ( perdoe-me, mas estou com problemas nas minhas teclas em relação aos algarismos romanos ).    No século 20 as formas do barroco e do rococó serão simplificadas sob a influência do neoclassicismo e dos prateiros ingleses.   Embora se usasse contraste, no Brasil, inúmeras peças não trazem marca.   Até o fim do século 19, prateiros e joalheiros usam modelos europeus.   Um grande ourives e joalheiro francês, Fabergé, trabalhou para a corte imperial da Rússia, e suas peças, em ouro, prata, esmalte e pedras preciosas estão, em grande número, no tesouro conservado no Museu do Kremlin, onde também se encontram as jóias da Casa Imperial dos Romanof.    As casas reais européias, aliás, possuíam tesouros de valor inapreciável: a Schatzkammer de Viena, com o tesouro dos Habsburgos da Áustria, com coroas, cetros, globos, espadas, todas peças de coroação, além de trajes riquíssimos, o tesouro da coroa da Inglaterra, mais recente ( século 17 em diante ), com todas as jóias da monarquia, as jóias da coroa da França, muito desfalcadas durante a Revolução, as da coroa da Espanha e de Portugal, as jóias imperiais do Brasil, com as duas coroas de D. Pedro 1 e D. Pedro 2 e seus complementos e acessórios, hoje conservadas no Museu Imperial de Petrópolis.   Talvez o conjunto mais impressionante seja o tesouro dos sultões da Turquia, conservado no Topkapiro dos sultões da Turquia, conservado no Topkapi Serai, antigo palácio dos soberanos em Istambul.    É um deslumbramento de diamantes, pérolas, esmeraldas, safiras, rubis, objetos, adereços, único no mundo, principalmente pelo valor intrínseco, mas não tão extraordinário como trabalho artístico.    Quanto ás técnicas usadas pelos artistas, são extremamente complexas, desde a fundição, as soldas, o trabalho martelado e cinzelado, bem como a lapidação de pedras preciosas, rústico na antiguidade e hoje perfeitíssimo, pelas técnicas modernas de lapidação.    Também mencionaremos apenas a arte das medalhas e das moedas, cuja ciência se chama " numismática ".    As moedas gregas, principalmente na época de Alexandre, são peças admiráveis.

Artes Plásticas - Artes Industriais - Ourivesaria - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 4

A denominação de indústria ligada às artes significa a destreza manual, o gosto ou capacidade de inventar do artesão na execução de um trabalho de arte.   Independente do conceito de produção puramente mecânica feita pela máquina para a fabricação em série.  Ourivesaria:  Arte essencialmente ligada às elites, pelo caráter precioso e raro das matérias-primas que emprega.    Tanto o ouro como a prata, e a partir do século 19, a platina, sempre foram símbolo de poder e de riqueza.    O ouro é conhecido pelo homem desde a descoberta dos metais.    Os egípcios o conheceram e utilizaram, tanto na ourivesaria de objetos rituais como na douração de sarcófagos e mobiliário do faraó.    Todos os povos antigos o conheceram.    Poucas peças de ourivesaria nos chegaram, dentre elas obras-primas de perfeição técnica, inclusive as moedas gregas.     Muita ourivesaria sacra foi conservada, desde as jóias, ourivesaria dos bizantinos.    Na basílica de São Marcos, em Veneza, a famosa " Pala d'oro " peça capital da ourivesaria medieval, com trabalhos de esmalte.   Uma das obras mais importantes do Renascimento é o famoso saleiro de ouro feito para francisco 1, rei da França, por Benvenuto Cellini ( século 16 ), que também foi um grande escultor.    É celebre a famosa custódia de Belém, que existe em Lisboa, feita por Gil Vicente com o primeiro ouro trazido das Índias por Vasco da Gama, no fim do século 15.    As minas na Antiguidade e na Idade Média eram raras e de produção limitada, de modo que só a partir do século 16, com a conquista do México e do Peru, é que os espanhóis puderam dispor dos tesouros dos Astecas e dos Incas, destruindo e fundindo peças admiráveis.   Mas foi principalmente a partir do começo do século18, com a descoberta do ouro no Brasil, em Minas Gerais, que o metal correu com abundância incrível.    Acrescente-se a isso a descoberta do diamante no Brasil, no Distrito Diamantino em Minas: Diamantina e serro Frio, rigorosamente controlado pelos portugueses , mas que não impediu totalmente o contrabando, tal como se passou com o ouro, isso fez a fortuna de Portugal, especialmente na época de D. João V ( 1699-1750 ), rei perdulário e que gastou quantias fabulosas com a construção do convento de Mafra, em Portugal, com a embaixada especial que mandou ao Papa, riquíssima, com carruagens douradas, chefiada pelo Marquês de Fronteira, levando enorme doação, a fim de obter o título de " Rey Fidelíssimo " e outros privilégios para a igreja de Portugal.      Isso entre outras prodigalidades.    Porém as minas se foram esgotando e nos meados dos séculos já havia descontentamento e motins na colônia, que tornou a situação cada vez mais difícil, até o final do século 18, quando o ouro brasileiro praticamente terminou.  

Artes Plásticas - Gravura - por Wladimir Alves de Souza - Parte 3

Gravura em metal de Durer: A morte, o cavaleiro e o diabo.    A gravura em metal pode ser feita a buril ( instrumento bem afiado e de diversas formas ).    Nesse caso o buril abre um sulco no metal de acordo com o desenho que se quer imprimir.    Há também a gravura " a ácido ", processo mais complicado e que exige longa prática.    É chamado, em arte, de " água-forte ".    A placa de metal é bem polida de um lado, recoberta de verniz ou cera enfumaçada nas duas faces.    Na face polida, o artista grava com uma ponta bem afiada, mais ou menos profundamente.     Quando o desenho está terminado, a placa é mergulhada numa solução de ácido nítrico e água e deixada ficar durante o tempo necessário para o ácido atacar a superfície do metal, descoberta pelo desenho gravado.    Remove-se o verniz, cobre-se a placa com tinta de impressão, limpando-se a tinta.    Esta fica depositada apenas nos sulcos gravados.    Leva-se então a placa, junto com o papel, para uma  prensa apropriada e a tinta passa para o papel.     Os processos de gravura permitem a tiragem de vários exemplares e se tornaram um método de divulgação da obra de arte.    A gravura a água-forte é um processo " em cavo " e não " em relevo ", como a madeira.    Os artistas introduziram diversas variações na gravura, , como o " talhodoce ", feito diretamente na placa, a " água-tinta ", em que se cobre com o verniz apenas as partes que se quer deixar em branco e diversos outros.    Quanto a Litografia, pode-se dizer que é menos um processo de gravura, do que mais propriamente uma forma de desenho que permite  reprodução.   É um processo recente , que remonta apenas ao século 18 quando o alemão Sennefelder descobriu um tipo de pedra calcária especial, cujas propriedades estudou, pondo em prática um processo especial, desenhando com um lápis gorduroso " Litográfico ", refratário a água.    Pode ser feito de desenho a pincel com tinta litográfica diluída em terebintina.    Uma vez isto feito, aplica-se uma solução fraca de goma e ácido azótico.    Deixa-se secar e remove-se tudo, com água primeiro, e terebintina depois.    As partes marcadas com a tinta vão reaparecer depois, passando sobre a pedra molhada um rolo com tinta de impressão, e fazendo-se a impressão com uma prensa especial.  

Artes Plásticas - Gravura - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 2

Desde os tempos mais remotos, o homem gravou nos materiais mais duros ( osso, pedra ), representando os animais que se propunha caçar, às vezes com senso extraordinário da realidade, como comprovam achados pré-históricos.    A representação da figura humana, como, por exemplo, caçadores com lança ou arco e flecha, é sumária, por assim dizer estilizada.    Chama-se estilização a maneira pela qual as formas são representadas de modo sumário, sem entrar em detalhes, e tendendo para a simplificação em linhas gerais, ou para a geometria.    Os materiais e as técnicas da gravura: Foi da gravura medieval que nasceu a imprensa, como maneira de recortar as letras em relevo, numa peça de madeira, cobri-las com tinta de imprimir e fazendo pressão sobre uma folha de papel.     Há três tipos básicos de gravura: a gravura em madeira, também chamada Xilogravura ou Xilografia ( do grego xilos que significa madeira ), a gravura em metal ( cobre, latão, aço ) a gravura em pedra ou litografia ( do grego Lithos ou pedra ).    Outros materiais podem ser usados, como o linóleo, por exemplo.    A gravura em madeira consiste em trabalhar numa placa, recortando as partes que devem sair brancas na impressão e deixando em relevo as que devem formar o desenho.   É a gravura  "em relevo ".    Para isso, usa-se como ferramenta os formões e as goivas, utensílios também usados pelo escultor em madeira ( entalhador ).    Sobre as artes no Extremo Oriente, a importância da gravura japonesa, a partir do século 17, os artistas procediam da maneira seguinte: o desenho era feito a pincel, sobre uma folha de papel de arroz.    Uma vez terminado o desenho, o papel era colado sobre a placa de madeira.    Vinha então o gravador, que recortava todas as linhas, rebaixando as partes brancas.    Removia-se o que sobrou do papel desenhado, ficando todo o desenho em relevo.    As gravuras podiam ser coloridas, fazendo-se uma placa para cada cor.    As cores são à base de água.    Deve-se notar as dificuldades do processo, no qual entram três artistas: o desenhista - criador da obra - o gravador e o impressor.

Artes Plásticas - Desenho - Por Wladimir Alves de Souza - Parte 1

Fundamentalmente, o desenho é a arte de representar as formas, seja pelos traços ou pelas " hachuras ", traços entrecruzados que produzem sombras ou " meios-tons ".    Pode ser feito sobre qualquer superfície.    Um simples lápis serve para desenhar, e, no fim de contas, todas as artes decorrem do desenho.    O material de desenho é simples: tanto pode ser carvão, como lápis de grafite ou de cera colorida, de " sanguínea " ( substância avermelhada ), de " sépia " ( tom acastanhado ), bico de pena, usando tintas de várias cores.    Pode ser usado também o giz colorido.    Em alguns casos, o artista usa um papel de cor sobre o qual desenha com lápis de duas cores, carvão, sanguínea ou " crayon ", com realces de branco.   O desenho é, praticamente, a base de todas as artes.    Dele deriva, diretamente, a gravura.